Sigma 200-500 mm f2.8 APO EX DG: paseando a la bestia

UN ZOOM ÚNICO

Sigma 200-500 mm f2.8 APO EX DG: paseando a la bestia

Un poco aburridos de esa moda tan japonesa de miniaturizar cámaras y objetivos, hemos decidido rebelarnos a lo grande sacando a pasear la que sin duda es una de las ópticas más extremas del mercado. Aprovechando que el descomunal y ya veterano Sigma 200-500 mm f2.8 está de visita por estas latitudes, hemos conseguido secuestrarlo durante unas horas. Una misión a contrarreloj bastante complicada teniendo en cuenta que estamos hablando de un zoom que pesa casi 16 kilos, cuesta unos 24.000 euros y sólo se fabrica por encargo. Las agujetas en los brazos y unas fotos muy mejorables -la lluvia no ayudaba- han sido los daños colaterales de esta aventura entre aviones.

Iker Morán.- Barcelona, 11:00 de la mañana. Esperamos la llegada de un camión de reparto que, si todo ha salido bien, lleva en su interior la única unidad del Sigma 200-500 mm f2.8 que circula por el país. Recién llegado en barco desde Palma de Mallorca, la operación de descarga ya deja claro que todo es un poco más complicado al trabajar con una pieza de estas dimensiones. Foto para el recuerdo con el contundente Sigma 200-500 mm f2.8. Pesa 15,7 kilos y mide 72,6 centímetros. El maletero del coche se queda pequeño para la enorme caja Pelican 1780 que acompaña y protege a este Sigma y que, como curiosidad, se usa sobre todo para transporte de armas. Enfilamos rumbo a El Prat de Llobregat para, en las inmediaciones del aeropuerto de Barcelona, practicar eso que los aficionados a la materia llaman "spotting": observar y fotografiar aviones. Nos vamos de paseo con el Sigma 200-500 mm f2.8 APO EX DG. O al menos intentarlo, porque son más de las 11:00, amenaza lluvia, la luz es muy mala y el objetivo tiene que estar de vuelta en su próximo escaparate antes de las 15:00 horas. Estupendo. Nos encantan los retos. Único desde 2007 Sujetarlo entre las manos para hacerse la foto graciosa de rigor está muy bien. Pero, lógicamente, para trabajar necesitamos un trípode. Y no uno cualquiera, porque por peso y volumen no es fácil soportar esta bestia. En nuestro caso hemos optado por uno Sachtler Ace L diseñado para cámaras de vídeo y cine -con refuerzo en sus patas para asegurarlo aún más- y cedido por la tienda Nivell 10 de Barcelona para este experimento. Sigma 200-500 mm f2.8 APO EX DG Disponible este Sigma en versiones para Nikon y Canon, en este caso hemos trabajado con una EOS 5D Mark III. Colocada junto al objetivo o ya montada en la bayoneta, es más fácil hacerse una idea de las dimensiones de este zoom, que tiene un diámetro de casi 24 centímetros y una longitud de 72,6. Sigma 200-500 mm f2.8 APO EX DG Pero más allá de estas cifras espectaculares, estamos ante una pieza única también por lo que ofrece. De hecho, este zoom es el único 500 mm f2.8 del mercado. Anunciado en 2007, desde entonces se ha dejado ver en diferentes ferias y eventos fotográficos, pero no es un vecino habitual de los escaparates. Con un precio de unos 24.000 euros, su fabricación se realiza por encargo, y digamos que en España no se han vendido muchos. Ninguno, en realidad. 200-500 o 400-1000 milímetros Para mover las enormes lentes que lo forman (17 elementos distribuidos en 13 grupos), el objetivo cuenta con un sistema de zoom motorizado que se maneja desde uno de los dos anillos que ofrece. El otro está dedicado al enfoque manual. Sigma 200-500 mm f2.8 APO EX DG Otro rasgo poco habitual en un zoom: la pantalla que informa de la focal elegida y la distancia de enfoque. Para todo ello el objetivo usa una batería alojada en el lateral de su carcasa metálica. Una carcasa que, según rezan las especificaciones, no es resistente al agua ni al polvo. Aunque cabe suponer que sería complicado conseguir sellar una pieza de este tamaño, no deja de ser curioso que un objetivo de este precio y tan orientado a la fotografía de naturaleza carezca de esta protección. Sigma 200-500 mm f2.8 APO EX DG Si ese rango focal de 200 a 500 milímetros se nos queda pequeño, el zoom incluye de serie un duplicador Sigma 2x que permite convertirlo en un zoom de 400-1.000 milímetros, reduciendo su luminosidad a f5.6. Así que por el mismo precio tenemos un 500 mm f2.8 y un 1.000 mm f5.6, con lo que la inversión ya no parecerá en absoluto descabellada a quienes necesiten semejantes focales para sus trabajos. Pista 25R Siguiendo las recomendaciones de expertos en la materia, nos apostamos en el mirador situado junto a la pista 25R del aeropuerto de El Prat. Un buen lugar para novatos, nos habían asegurado. Un Boeing de Delta -no nos pregunten el modelo- espera para despegar mientras el ritmo de entrada de aviones a media mañana es intenso. Sigma 200-500 mm f2.8 APO EX DG Mejor así, porque no disponemos de muchas opciones para intentar sacar alguna foto presentable. No es fácil -al menos para nosotros- apuntar con un tele de 500 milímetros hacia un avión en movimiento. Pero al menos el enfoque automático funciona mejor de lo que esperábamos.   Muestras: Sigma 200-500 mm f2.8   © QUESABESDE.COM Fotografías realizadas con un objetivo Sigma 200-500 mm f2.8 montado en una Canon EOS 5D Mark III, tomadas en formato RAW y procesadas con Lightroom 4. Haz clic bajo cada imagen para descargar el archivo original: RAW RAW RAW RAW RAW RAW De todos modos, no hay tiempo ni condiciones para una prueba técnica al uso. Ni siquiera para una prueba de campo de las que a veces perpetramos y que casi seis años después de que este zoom fuera presentado tampoco tendría mucho sentido. Sigma 200-500 mm f2.8 APO EX DG La lluvia que empieza a caer y el cielo de un gris perfecto tampoco ayudan mucho. Al menos ya tenemos una excusa más para justificar las fotos -de calidad ampliamente mejorable- con que nos volvemos a casa. Sigma 200-500 mm f2.8 APO EX DG Cambiar de localización con este objetivo a cuestas no es fácil, pero la lluvia no nos deja otra opción. Un mirador cercano -y a cubierto- del delta del Llobregat es la única opción. Pensado para el avistamiento de aves en esta zona, también está en la trayectoria de entrada de los aviones rumbo a la pista de aterrizaje. Sigma 200-500 mm f2.8 APO EX DG Probamos suerte con el duplicador. Conseguir cazar al vuelo -chiste fácil- un avión blanco en aproximación sobre un fondo gris y hacerlo con una focal de 1.000 milímetros es una tarea realmente divertida. Enfocarlo, incluso más. Descartado el sistema automático, que pierde mucho fuelle con el duplicador, probamos suerte a mano. Pero tampoco así. Ni una de las fotografías realizadas con el duplicador se salvan. Sigma 200-500 mm f2.8 APO EX DG Son casi las 14:00 y todavía hay que recoger. Definitivamente, habrá que repetir la aventura. Con más tiempo y sin lluvia, a ser posible. Esperamos que no haya que esperar otros seis años para echarle el guante a un objetivo como éste. En cualquier caso iremos practicando para mejorar nuestras habilidades como "spotters". Nos hace mucha falta

Devuelve el Color a tus Fotos en Blanco y Negro con Photoshop

La teoría

Las fotografías en color se pueden descomponer en dos vertientes, por un lado está la información de la luminosidad, las luces y sombras. Por el otro tendríamos la información correspondiente a los distintos tonos de color. Tal vez no has echo nunca la prueba, pero si a una foto le quitas la información de la luz queda mucho más irreconocible que si le quitas la información del color. Lo puedes comprobar en la siguiente imagen.

Vista la descomposición de la foto original, se observa claramente que la fracción del color es mucho más simple que la que representa la luminosidad. Esto es una buena noticia para nosotros, pues para lograr nuestro objetivo, basta con crear una capa con información de color similar a la imagen de la derecha. Y por ejemplo, en este caso, es posible que únicamente con 4 colores distintos se consiga un resultado más que aceptable.

Lo más difícil en estos caso es dar con los tonos adecuados, máxime cuando vas a colorear una foto en blanco y negro y lógicamente no sueles tener una copia de la misma en color. Por tanto, ¿que sería aconsejable? Desde luego, conseguir, 1) o una foto de la misma persona, con unas condiciones de iluminación similares o 2) la de otra persona que igualmente presente tonalidades de la piel parecidas.

Nosotros vamos usar para este ejemplo la imagen de este señor en blanco y negro, y utilizaremos como base para elegir los colores de la piel, la fracción de color de la imagen que hemos visto más arriba. Vamos a verlo paso a paso.

 Ahora Si, La Práctica

El primer paso que tenemos que dar es crear una nueva capa y fusionarla con la imagen original en el modo de color. Hecho esto, seleccionamos un color y vamos pintando sobre la capa recién creada. Yo he comenzado primero por las zonas más sencillas, como son el césped que hay detrás, los arbustos y el cielo. Por lo general, el color que eliges para pintar no es exactamente igual al que queda como resultado final, por lo que en este punto conviene ir probando cada uno de los tonos. En ocasiones puede ser recomendable usar capas distintas para cada color, trabajando así, podremos, siempre que sea necesario, ajustar o modificar dichos colores mediante la herramienta de Tono y Saturación.

La imagen que tenéis aquí debajo muestra, a la izquierda, el resultado que vamos consiguiendo con el coloreado. La de la derecha es la capa sobre la que estamos pintando y que está fusionada en el modo Color con la foto en blanco y negro. Si tenéis curiosidad de ver como es, solo tenéis que desactivar la visibilidad de la capa que contiene la foto en blanco y negro original.

Siguiendo en este proceso, de menor a mayor complejidad, elijo los colores correspondientes para el sombrero y la camisa. La chaqueta puede quedar bien dejándola en gris.

El rostro

Bien, parecía que no llegábamos, pero ya estamos aquí. Este es el punto más importante para lograr un coloreado natural. Lo primero que os aconsejo es que trabajéis el rostro en una capa nueva (Recordad fusionarla en el modo de fusión de color). Estos son los primeros pasos.

• Lo primero, encontrar una cara en color con tonos que os puedan interesar. Como os comentaba un poco más arriba, trataremos de eliminar de esta foto la información relativa a sombras e iluminaciones, para quedarnos con la que nos interesa en nuestro caso. El color.

• Imagen > Modo > Color Lab.
• Ir a la pestaña de Canales y dejar únicamente visibles el canal a y b.
• Control + A para seleccionar todo y Control + C para copiar. 
• En la pestaña de Historia volver a la imagen original y pegar.
• Fusionar la nueva capa pegada en el modo deLuminosidad.

¿Lo tenéis? ¡Fantástico! Ahora podemos seleccionar con el cuentagotas un color representativo de la cara e ir pintando en nuestra foto en blanco y negro.

Último Secretos y Retoques

Bien, tenemos la foto prácticamente coloreada, pero parece que lleva un kilo de maquillaje en la cara... Asi como el verde de un prado puede ser un color muy homogéneo, o la camisa o la chaqueta, el rostro puede tener más tonos, más colores. Desde luego los labios no son del mismo color que la cara, pero probablemente tampoco la nariz, que puede ser algo más rojiza, o la zona que circunda los ojos. Seleccionamos por tanto algunos tonos más de la foto de la que estamos cogiendo los colores del rostro y los aplicamos sobre nuestra fotografía en blanco y negro.

En este punto puede ser más que recomendable hacer uso de la herramienta de transición. Recordad, después de hacer un trazo, puedes ajustar la transparencia del mismo pulsando Control + Shift + F. Trabajaréis de una forma más eficaz y conseguiréis unos acabados muuucho más suaves.

Estupendo, pero aún así algo le falta... un último ajuste... Este rostro esta pidiendo una cierta desaturación.

Si como decía antes, tenéis el color de la cara en una capa independiente, solo tenéis que crear una nueva capa de ajuste de Tono y Saturación encima de esta, y pulsando con el botón derecho sobre la capa de ajuste, seleccionar "Crear máscara de recorte". Haciendo esto, solo actuaremos sobre la cara de nuestra fotografía. En mi caso le he dado un valor de -25, pero id probando hasta encontrar el punto que os convenza.

¡Te toca!

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Fotografía Paisajista–De Larga exposición usando filtros de densidad neutral

En este tutorial ofrecemos nuestros mejores consejos sobre fotografía del paisaje costero usando el filtro de densidad neutra ( Filtros ND)  para hacer exposiciones prolongadas que transforman las olas ( y cascadas) en suaves matices blancos y transmiten una sensación de movimiento en las nubes.
Aquí en Aprende Fotografía Digital (y todos los Puertorriqueños que residimos aquí) somos afortunados de vivir en una isla que cuenta con cientos de millas de playas y costas hermosas. Además de contar con hermosos ríos y otros cuerpos de agua. Con solo conducir en automóvil menos de una hora podemos encontrar vistas de costas hermosas. Muchos de nuestros lectores de otros países también cuentan con esa fortuna.
Una ventaja grandiosa que tiene la fotografía de costas es que la combinación del mar con la variedad de condiciones climáticas que se dan allí es un espectáculo hermoso para fotografiar. Días nublados llenos de un cielo oscuro son ideales para fotografía blanco y negro mientras los días soleados con nubes blancas son ideales para la fotografía a color. Eso sin añadir los matices de colores que produce una caída de sol con un fondo nublado – no tiene comparación.
Pero independiente de las condiciones climáticas las escenas costeras siempre ofrecen al fotógrafo una infinidad de posibilidades para crear.
Una de estas posibilidades es el uso de exposiciones largas para crear imágenes con un alcance artístico. Bajo el efecto de exposiciones largas las olas y la espuma del mar se convierten en manchas suaves blancas en desenfoque que pareciera de ensueño. Se crea un “manto blanco” parecido a la neblina.
El cielo que siempre tiene elementos en movimientos como las nubes se convierten en largas “rayas” que le dan textura al cielo de diferentes matices de blanco, azul y gris.
Pero hacer exposiciones largas bajo la luz del sol representa un gran reto para el fotógrafo (más bien para las limitaciones de la cámara que el fotógrafo tiene que compensar). Aun utilizando el ISO más bajo y la apertura más pequeña del objetivo este permite pasar suficiente luz la cual nos impide que expongamos más allá de fracciones de segundo sin sobre exponer la imagen. Esto solo cambia en aquellas situaciones donde haya muy poca luz.
Para lograr con éxito la toma de estas fotos bajo condiciones de mucha luz debemos entonces limitar aun más el paso de la luz a través del objetivo que lo que logramos con el ajuste del ISO y la apertura. Eso lo hacemos mediante el uso de filtros de densidad neutra – filtros de ligera opacidad y que no alteran el color de la luz que pasa a través de ellos.
Este tipo de filtro existe desde hace años y de varios tipos de opacidad. Pero recientemente se lanzó al mercado un tipo de ellos que es variable. Yo hace algunos 3 años que fotografió con uno y los resultados son impresionantes. Además de darme gran flexibilidad al momento de decidir que quiero crear.

Como hacer fotografías utilizando el filtro de densidad neutra

Además de la cámara y el filtro de densidad neutra necesitarás un trípode.
Ajusta el ISO de tu cámara en la opción más baja. En mi caso utilizo ISO 200.
Coloca la cámara sobre el trípode y compone tu imagen. No intentes componer o enfocar con el filtro puesto frente al objetivo. Típicamente no es posible lograr un buen enfoque. Lo que debe hacer es componer tu imagen, ajustar el ángulo de visión y hacer el enfoque. Luego que hayas enfocado coloca el enfoque en manual.
Una vez tu cámara esta lista el siguiente paso es establecer los parámetros de exposición. Una velocidad de obturación de 30 segundos debe ser suficiente para crear el efecto en las olas que te describí antes. Entonces tú pregunta; ¿cuál debe ser la apertura correcta?
Para poder establecer correctamente la exposición lo que suelo hacer es tomar una fotografía antes de colocar el filtro en el modo apertura prioritaria y tomo nota de la velocidad de obturación que la cámara selecciona. Con este dato voy a la tabla aquí abajo y hago la conversión de la velocidad de obturación. Por ejemplo, supongamos que a una apertura de f/16 la velocidad de obturación que escogió la cámara fue de 1/15 segundos. Busco en la tabla la columna que corresponde a esa velocidad y la fila que corresponde a el tipo de filtro que voy a usar- en este caso utilizo uno que reduce 9 pasos (ND500). La tabla de conversión indica que debo usar 30 segundos.


Ahora que ya conoces la combinación de apertura, ISO y velocidad coloca el filtro frente al objetivo. Ten cuidado de no cambiar el enfoque mientras colocas el filtro, si inadvertidamente mueves la anilla de este, cambiarás el enfoque.
Utilizando tu cámara en el modo manual, ajusta la apertura a f/16, la velocidad a 30 segundos, captura tu primera fotografía, verifica la exposición usando el histograma y has ajustes de ser necesario

NIKON D800

http://www.nikondigitutor.com/eng/d800/index.html

Cómo tomar control de la iluminación fotográfica

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Lograr una iluminación fotográfica correcta no es difícil a pesar de lo que mucha gente te haya dicho y probablemente hasta tú mismo pienses que es algo complicado. Sin embargo es un hecho que no hay un solo fotógrafo profesional sobre este planeta tierra que haya nacido sabiendo como iluminar. Es decir, la técnica de iluminación fotográfica se puede aprender. Y no solo eso, sino que es fácil de aprender.
En mi afán por ayudarte a dominar los conceptos importantes del campo de la fotografía hoy voy a ir sobre algunos de ellos que son importantes y que debes entender para lograr el control de la luz.

Estos conceptos pudieran ser básicos para algunos de ustedes y nuevos para otros. No subestimes esta información, son conceptos básicos pero muy poderosos y la base fundamental para el dominio de la iluminación fotográfica.

Iluminación Fotográfica – Variables que afectan el control y la calidad de la luz

La posición y la dirección de la luz es determinante en el resultado final de tu fotografía. Dependiendo de la posición y/o ángulo de la fuente de luz con respecto al sujeto iluminado cambian el sentido de profundidad, el volumen y la forma.

1. El ángulo – La dirección de la luz produce áreas iluminadas y áreas con sombras o como yo prefiero llamarlas -áreas sin luz. Este efecto le da un sentido de tercera dimensión a la imagen.
   ¿Qué pasa cuando usas el flash de tu cámara? El flash de tu cámara ilumina al sujeto desde el mismo ángulo en que está la cámara y solo produce áreas iluminadas. Es por eso que las fotos tomadas con el flash de la cámara carecen de forma, volumen y profundidad. Colocar la fuente de luz fuera del ángulo de la cámara es la primera variable que debes controlar.
2. La distancia – Cambiar la distancia de la fuente de luz al sujeto también cambia de manera dramática la calidad de la iluminación. La distancia entre el sujeto y la fuente de luz determinarán la intensidad lumínica que alcanza al sujeto. Si la composición de la foto incluye más de un elemento visual, dependiendo de la distancia de estos a la fuente de luz, la intensidad lumínica que incide sobre ellos variará. ( leer el articulo La ley del cuadrado inverso y la iluminación fotográfica)
3. El tamaño de la fuente de luz con respecto al sujeto – Aquí el concepto importante es entender que el tamaño físico de la fuente nada tiene que ver con la calidad de la iluminación. Lo importante es el tamaño de la fuente de luz con respecto al sujeto iluminado.Veamos un ejemplo: mi flash SpeedLight SB-700 a cuatro pies de distancia es una fuente de luz pequeña con respecto a mí pero si lo coloco detrás de una sobrilla trasluciente ahora el tamaño de la fuente de luz es mayor (el diámetro de la sombrilla) con respecto a mí. Si alejo lo suficiente de mí la sombrilla ésta volverá a ser una fuente de luz pequeña desde mi perspectiva. El efecto que tiene esta variable de control es sobre la propiedad de la “dureza” de la luz. Mientras mayor sea el tamaño de la fuente con respecto al sujeto, mas “suave” será la luz, mientras más pequeña la fuente más “dura” será la luz.
4. La ausencia de luz – Tan importante es controlar donde incide la luz como también el control de donde no queremos que incida. Para eso recorremos a recursos como paneles bloqueadores, tubos, rejillas, gobos entre otros.
5. La reflexión o refracción - La propiedad de reflexión de superficies es un gran aliado en la fotografía. Es posible que hasta que hayas usado esta propiedad sin darte cuenta. Cuando rebotas la luz del flash en una pared o techo estas usando la propiedad de reflexión de la luz. Es gracia a ésta propiedad que podemos lograr maravillosas fotografías con solo una fuente de luz y con la ayuda de reflectores.
6. El color de la luz – El color de la luz es otra variable que nos permite crear. Con solo colocar filtros de gel o reflejar la luz en superficies de color es suficiente para cambiar la manera en que creamos una fotografía.
7. El tiempo de iluminación – El tiempo de exposición es importante. En el caso del uso del flash no es tan evidente pero si pensamos en una fuente de luz continua nos daremos cuenta de que podemos controlar el resultado final de una imagen controlando el tiempo en que la luz ilumina la escena. Esta es la base de la famosa técnica de pintar con luz.

Conclusión

Como ves son siete (7) conceptos básicos pero muy importantes para que podamos ir construyendo nuestro aprendizaje sobre control de la iluminación fotográfica. Parecerá que son muchas variables las que hay que controlar sin embargo compartiré contigo el secreto de cómo dominarlas.
El secreto esta en aprender a controlar una a la vez. Así que te exhorto a que comiences a practicar con una de ellas. Por ejemplo la de la distancia. Coloca la fuente de luz a una distancia dada del sujeto y toma una foto. Luego varia la distancia y toma nuevas imágenes y compara el resultado. Cuando ya tengas control de esta haces el mismo ejercicio para otra variable. Una vez domines alguna de ellas comienzas a combinarlas.